COLECCIÓN PERMANENTE: PINTORES FLAMENTOS PRIMITIVOS, MUSEO DEL PRADO. Henar Díez Martín
UBICACIÓN DEL MUSEO:
El museo está ubicado en el Paseo del Prado, s/n.
28014 Madrid.
Tel. (91) 330 28 00.
Fax: (91) 330 28 56
COMO LLEGAR AL MUSEO:
Metro: Estaciones de Banco de España y Atocha
Autobuses: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37 y 45
Ferrocarril: Estación de Atocha
HORARIOS (colección permanente):
Abierto: De martes a domingo: 9.00 - 20.00 h
Cerrado: Todos los lunes del año (incluso festivos) y los días 1 de enero, Viernes Santo, 1 de mayo y 25 de diciembre.
TARIFAS (colección permanente):
General: 8 €
Reducida: 4 €*
*Tendrán derecho a un descuento del 50% sobre el precio de las entradas:
- Ciudadanos de la Unión Europea miembros de familias numerosas.
- Estudiantes de países no miembros de la UE menores de 25 años.
- Titulares del carné joven.
Gratuita:
La entrada al Museo será gratuita en los siguientes casos:
- Para todos los visitantes a la colección permanente:
De martes a sábado de 18.00 a 20.00 h y los domingos de 17.00 a 20.00 h,
- Menores de 18 años
- Ciudadanos de los Estados miembros de la Unión Europea: mayores de 65 años, en situación de desempleo legal y estudiantes menores de 25 años
- Pensionistas mayores de 60 años.
- Personas con discapacidad y la persona que lo acompañe.
- Profesores de enseñanza relacionada directamente con el contenido del Museo que se encuentren en el ejercicio de sus funciones
- Guías Oficiales de Turismo
- Periodistas
Promoción especial: Guía + entrada: 19,50 euros
TIPO DE EXPOSICIÓN: Exposición permanente.
SOBRE LA EXPOSICIÓN: Pintura flamenca primitiva del siglo XV:
Del gran maestro de la escuela flamenca, Jan van Eyck, no existe ninguna obra en el Museo del Prado, pero sí una tabla de enorme interés, La Fuente de la Gracia, ejecutada en su taller por algún discípulo muy próximo.
De Robert Campin, iniciador del estilo flamenco del siglo XV, destacan dos obras maestras de plena madurez, San Juan Bautista y el maestro franciscano Enrique de Werl y Santa Bárbara.
Su discípulo, ROGER VAN DER WEYDEN, está representado en el Prado por dos de sus obras maestras El Descendimiento de la Cruz, una de las pintura más famosa en Flandes en el siglo XVI, y La Virgen con el Niño.
De otros pintores importantes del siglo XV el Prado posee obras magníficas como el tríptico de la vida de Cristo de Dirk Bouts y el de La Adoración de los Reyes de Hans Memling o la tabla del Descanso en la huída a Egipto de Gerard David.
La pintura flamenca primitiva del Museo del Prado culmina en la magnífica colección de tablas de EL BOSCO, la mayor en número de obras que existe en una única institución, y, lo que es más importante, la que cuenta con obras capitales del pintor de s’Hertogenbosch como los trípticos El jardín de las Delicias, La Adoración de los Magos y El Carro de heno o La Mesa de los pecados capitales.
OBRAS:
1. “El descendimiento de la cruz” Roger Van der Weyden
Sobre el autor: Pintor belga perteneciente a la escuela flamenca en el período gótico. Nació en Tournai, Bélgica .No se conoce el año exacto de su nacimiento, se piensa que fue en 1399 o 1400.
Fue hijo de un escultor, y se piensa que su primer maestro fue su propio padre. Más tarde ingresó en el Robert Campin, en el que permanece hasta 1432.
En 1432, Es nombrado maestro en Tournai.
Tres años más tarde, en 1435, se instala en Bruselas, ciudad que se convirtió en su residencia habitual. Allí creó un taller con numerosos ayudantes y discípulos, desde el que ejerció una gran influencia no sólo en los pintores flamencos, sino en muchos pintores europeos de la época y fue nombrado pintor oficial de esa ciudad en 1436.
Murió en Bruselas en 1464.
Fecha de realización del cuadro: 1435
Dimensiones: 220 x 262 cm.
Tema: Trata un tema religioso, ya que el autor plasma una de las escenas de la vida de Cristo, en concreto, el descendimiento de la cruz.
Técnica y materiales: Óleo sobre tabla.
Personajes: En el cuadro están representados diez personajes, superpuestos unos encima de otros. Son figuras alargadas, no hay interacción entre unas y otras. Presentan un gran dramatismo en sus rostros y en sus movimientos.
Los personajes con los siguientes: Empezando por la derecha, encontramos a María, esposa de Cleof, San Juan bautista sujetando a la Virgen María desmayada en el suelo, observando la escena y con un vestido verde encontramos a Salomé, un ayudante bajando a Cristo de la cruz, José de Arimatea y Nicodemo aparecen sujetando a Cristo, detrás y con un frasco un ayudante y por último y cerrando la composición María Magdalena.
Por otro lado, la anatomía de Cristo está muy conseguida.
Todos los personajes llevan hermosos ropajes, cuyas texturas permiten diferenciar terciopelos, sedas, etc. Además, los pliegues son muy marcados y aristados, destacan por su voluminosidad a parte de por sus colores tan vivos.
Composición: Se trata de una composición cerrada. María Magdalena, a la derecha, y San Juan Bautista, a la izquierda, cierran la composición a modo de paréntesis. Cristo y La Virgen María contrastan con la horizontalidad del resto de personajes, al formar cada uno una diagonal.
Pincelada y textura: El óleo permite pintar con pinceles muy finos, con lo cual la pincelada será prieta y la textura lisa. Además esta técnica también permite realizar los detalles más minuciosos, como el pelo de las barbas, las lágrimas de la Virgen o la túnica de Nicodemo.
Dibujo: En esta composición el dibujo es de gran importancia ya que da una gran definición al contorno de las figuras, haciendo que parezcan casi esculturas superpuestas.
Luz: Da la impresión de ser una luz artificial, por el color dorado del fondo. Es moderada y a veces contrastada.
Color: El color cobra gran importancia en este cuadro porque produce que la escena se haga aún más impactante. Utiliza una mezcla de colores cálidos, por el color rojo del manto de San Juan Bautista y detalles también en rojo en los ropajes de otros personajes como María Magdalena o José de Arimatea; y colores fríos, por el color verde del vestido de Salomé o el contraste del color azul de la Virgen María. Además, el pintor dibujó a la Virgen María con tocado blanco, símbolo de la pureza, al igual que a María y a María Magdalena, y también de color blanco el paño que cubre a Jesucristo.
Perspectiva: La perspectiva es intuitiva, coloca a cada personaje en un lugar sin llevar un orden o un criterio de colocación; sin embargo, todos están bien colocados y son visibles a los ojos del espectador.
Elementos anecdóticos: En el cuadro, también aparecen algunos elementos anecdóticos, como la calavera o el hueso pintados en el suelo, en primer plano, que simbolizan la muerta y la fugacidad de la vida.
Profundidad: El cuadro presenta una gran profundidad. Para crearla, pintó tracería de madera en las esquinas superiores, que además hacen referencias a los clientes del cuadro, la cofradía de Los Ballesteros de Lovaina, en Bélgica, para su capilla en la iglesia de Nuestra Señora de Extramuros.
Nos percatamos de la profundidad, si observamos el manto de la virgen que se prolonga hacia el fondo o la escalera y la cruz situadas detrás de los personajes.
Además, los personajes también gozan de profundidad.
Movimiento: La obra tiene movimiento, pero es moderado. Lo observamos en la bajada de Cristo de la cruz o en el desmayo de la Virgen María, también en las figuras curvadas de María Magdalena y San Juan Bautista.
Estilo: El estilo es gótico flamenco primitivo del siglo XV.
Propuesta didáctica para alumnos de 6º de Primaria:
En primer lugar, se realizará una LLUVIA DE IDEAS sobre el cuadro, en la cual se harán preguntas como por ejemplo:
¿Qué creéis que pasa en el cuadro? ¿Qué sabéis acerca de esta historia?
¿Qué personajes aparecen en el cuadro? ¿Qué sabéis de ellos?
Después de esta introducción, se EXPLICARÁ un poco la temática del cuadro, lo que está aconteciendo en él, el significado del cuadro y un breve comentario sobre él, sin adentrarnos demasiado en técnicas artísticas debido al nivel inexistente sobre arte por parte de los niños, únicamente se explicaría el color, la profundidad, los personajes o la composición del cuadro.
Por último, se pedirá a los niños que realicen un DIBUJO del cuadro.
2. “El jardín de la Delicias” El Bosco
Sobre el autor: Pintor holandés. Llamado Hieronymus Bosch, debe su nombre a su ciudad natal 's Hertogenbosch, en la que nació en 1450 y en la que permaneció durante toda su vida.
Fue hijo y nieto de pintores, por lo que su educación tuvo lugar probablemente en el taller familiar.
En torno a 1480 se casó con Aleyt van der Mervenne, hija de un rico burgués. Esto le facilitó el ascenso social hacia la alta burguesía urbana.
En 1486 ingresó en la cofradía religiosa de Nuestra Señora. Esta era una asociación de laicos dedicados al culto de la Virgen y a obras de caridad. Esta corporación era de gran prestigio e influencia y le sirvió para cultivarse artística y culturalmente.
Desde el año 1500 hasta el 1504, permaneció en Venecia. Y a partir de estos años, el estilo del Bosco cambia hacia un estilo más renacentista con figuras monumentales situadas en espléndidos paisajes.
Murió en la misma ciudad en la que nació en 1516.
Dimensiones: Se trata de un tríptico de 220 X 195 cm.
Fecha de realización del cuadro: En 1500.
Tema: El tema cuadro es una alegoría del origen y del fin del mundo.
Técnica y materiales: Óleo sobre tabla.
Figuras: Todos los personajes del cuadro aparecen desnudos, para que no haya distinciones de razas ni de clases entre ellos, a excepción de Cristo.
En la tabla de la izquierda, la de paraíso, aparecen representados Adán y Eva y entre ello Cristo, junto con una pareja de cada animal.
En la tabla del medio, la de la tierra, aparecen numerosos grupos de personas, todos ellos desnudos haciendo diferentes actividades, unos cogiendo una manzanas de un árbol, símbolo del pecado, otros metidos en la fuente, etc.
En la tabla de la izquierda, la del infierno, hay numerosas figuras que representan algunos de los pecados, como por ejemplo: una muchacha sentada mirándose al espejo, representa el pecado de la soberbia, otro cagando monedas, representa el pecado de la avaricia, etc.
Composición: Es un composición muy compleja y abierta; sin embargo el pintor lleva un orden al colocar las diferentes figuras en el cuadro. Por ejemplo, en la tabla central, podríamos decir que incluso tiene una simetría ya que si trazásemos una línea en medio del cuadro, observaríamos que hay casi las mismas figuras en un lado que en otro y colocadas en el mismo lugar, de forma simétrica.
Pincelada y textura: La pincelada es prieta y la textura es lisa. Como característica de los pintores flamencos, destaca el cuadro por su minuciosidad en los detalles.
Dibujo: Le da gran importancia al dibujo y al contorno de las figuras.
Luz: En las tablas del paraíso y de la Tierra, la luz es clara y natural, ya que se encuentran en un prado. Sin embargo, la luz del infierno es más oscura.
Color: En las tablas del paraíso y de la Tierra, predominan los colores fríos, el azul del agua y el verde del prado, con detalles cálidos en rosas y rojos.
Por otro lado, en la tabla del infierno predominan el negro y el rojo, con detalles en amarillo.
Perspectiva: El dibujo, a medida que nos vamos alejando es más pequeño. Esto también aporta profundidad al cuadro.
Movimiento: La obra se caracteriza por la representación del movimiento, sobre todo en las tablas de la Tierra y del infierno. Prácticamente todas las figuras están representadas en movimiento, aunque la técnica no están conseguida del todo.
Estilo: El estilo es gótico flamenco primitivo del siglo XV.
Significado de la obra: El cuadro tiene un gran significado simbólico y goza de innumerables elementos anecdóticos.
Vamos a explicar el significado de cada una de las tablas:
1. El Paraíso: El pintor representa el principio de la humanidad, el comienzo de la vida dibujando a los personajes de Adán y Eva.
En la mitad del cuadro, hay pintada una lechuza en la fuente, que es símbolo de mal augurio, de que algo malo va a pasar.
La piedra amarilla de la derecha simula a Satán, indicando que Satán está en todas partes.
2. La Tierra: Es la representación de la humanidad en el pecado y en lujuria.
Está dividido en tres franjas: La primera es la superior, representa los cuatro ríos del paraíso, rodeadas de construcciones fantásticas.
Además también se observan aves encima de las cabezas, que simbolizan la lujuria. La segunda es la del medio, Aparece una fuente y dentro de ella mujeres, también con aves en la cabeza, y alrededor de la fuente hombres cabalgando animales, todo ello simboliza la lujuria y el placer. La tercera es la inferior, Se observan muchas frutas, símbolo del placer efímero. Todos los personajes están desnudos y representan el deseo carnal.
3. El Infierno: Es la representación del fin de la humanidad. Destaca el contraste entre frío (el agua helada del lago) y el calor (el fuego de las llamas). También se quiere ver en las orejas con el cuchillo una alusión al órgano genital masculino. En esta tabla, hay numerosos instrumentos pintados, que simbolizan los sonidos del infierno, y también observamos algunos personajes que hacen alusión a los pecados, como la suerte, personas jugando al juego, o la avaricia, un hombre cagando monedas.
Además, también hay una crítica al clero, ya que el pintor dibujó un cerdo vestido de monja.
Propuesta didáctica para alumnos de 6º de Primaria:
En primer lugar, se realizará una LLUVIA DE IDEAS sobre el cuadro, en la cual se harán preguntas como por ejemplo:
¿Qué representa cada una de las tablas?
¿Qué sabéis acerca del paraíso? ¿Y del infierno?
Después de esta introducción, se EXPLICARÁ un poco la temática del cuadro, lo que está aconteciendo en él, el significado del cuadro y un breve comentario sobre él, sin adentrarnos demasiado en técnicas artísticas debido al nivel inexistente sobre arte por parte de los niños, únicamente se explicaría el color, la profundidad, los personajes o la composición del cuadro.
Por último, se pedirá a los niños que realicen un DIBUJO de la tabla del tríptico que más les haya gustado.
El museo está ubicado en el Paseo del Prado, s/n.
28014 Madrid.
Tel. (91) 330 28 00.
Fax: (91) 330 28 56
COMO LLEGAR AL MUSEO:
Metro: Estaciones de Banco de España y Atocha
Autobuses: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37 y 45
Ferrocarril: Estación de Atocha
HORARIOS (colección permanente):
Abierto: De martes a domingo: 9.00 - 20.00 h
Cerrado: Todos los lunes del año (incluso festivos) y los días 1 de enero, Viernes Santo, 1 de mayo y 25 de diciembre.
TARIFAS (colección permanente):
General: 8 €
Reducida: 4 €*
*Tendrán derecho a un descuento del 50% sobre el precio de las entradas:
- Ciudadanos de la Unión Europea miembros de familias numerosas.
- Estudiantes de países no miembros de la UE menores de 25 años.
- Titulares del carné joven.
Gratuita:
La entrada al Museo será gratuita en los siguientes casos:
- Para todos los visitantes a la colección permanente:
De martes a sábado de 18.00 a 20.00 h y los domingos de 17.00 a 20.00 h,
- Menores de 18 años
- Ciudadanos de los Estados miembros de la Unión Europea: mayores de 65 años, en situación de desempleo legal y estudiantes menores de 25 años
- Pensionistas mayores de 60 años.
- Personas con discapacidad y la persona que lo acompañe.
- Profesores de enseñanza relacionada directamente con el contenido del Museo que se encuentren en el ejercicio de sus funciones
- Guías Oficiales de Turismo
- Periodistas
Promoción especial: Guía + entrada: 19,50 euros
TIPO DE EXPOSICIÓN: Exposición permanente.
SOBRE LA EXPOSICIÓN: Pintura flamenca primitiva del siglo XV:
Del gran maestro de la escuela flamenca, Jan van Eyck, no existe ninguna obra en el Museo del Prado, pero sí una tabla de enorme interés, La Fuente de la Gracia, ejecutada en su taller por algún discípulo muy próximo.
De Robert Campin, iniciador del estilo flamenco del siglo XV, destacan dos obras maestras de plena madurez, San Juan Bautista y el maestro franciscano Enrique de Werl y Santa Bárbara.
Su discípulo, ROGER VAN DER WEYDEN, está representado en el Prado por dos de sus obras maestras El Descendimiento de la Cruz, una de las pintura más famosa en Flandes en el siglo XVI, y La Virgen con el Niño.
De otros pintores importantes del siglo XV el Prado posee obras magníficas como el tríptico de la vida de Cristo de Dirk Bouts y el de La Adoración de los Reyes de Hans Memling o la tabla del Descanso en la huída a Egipto de Gerard David.
La pintura flamenca primitiva del Museo del Prado culmina en la magnífica colección de tablas de EL BOSCO, la mayor en número de obras que existe en una única institución, y, lo que es más importante, la que cuenta con obras capitales del pintor de s’Hertogenbosch como los trípticos El jardín de las Delicias, La Adoración de los Magos y El Carro de heno o La Mesa de los pecados capitales.
OBRAS:
1. “El descendimiento de la cruz” Roger Van der Weyden
Sobre el autor: Pintor belga perteneciente a la escuela flamenca en el período gótico. Nació en Tournai, Bélgica .No se conoce el año exacto de su nacimiento, se piensa que fue en 1399 o 1400.
Fue hijo de un escultor, y se piensa que su primer maestro fue su propio padre. Más tarde ingresó en el Robert Campin, en el que permanece hasta 1432.
En 1432, Es nombrado maestro en Tournai.
Tres años más tarde, en 1435, se instala en Bruselas, ciudad que se convirtió en su residencia habitual. Allí creó un taller con numerosos ayudantes y discípulos, desde el que ejerció una gran influencia no sólo en los pintores flamencos, sino en muchos pintores europeos de la época y fue nombrado pintor oficial de esa ciudad en 1436.
Murió en Bruselas en 1464.
Fecha de realización del cuadro: 1435
Dimensiones: 220 x 262 cm.
Tema: Trata un tema religioso, ya que el autor plasma una de las escenas de la vida de Cristo, en concreto, el descendimiento de la cruz.
Técnica y materiales: Óleo sobre tabla.
Personajes: En el cuadro están representados diez personajes, superpuestos unos encima de otros. Son figuras alargadas, no hay interacción entre unas y otras. Presentan un gran dramatismo en sus rostros y en sus movimientos.
Los personajes con los siguientes: Empezando por la derecha, encontramos a María, esposa de Cleof, San Juan bautista sujetando a la Virgen María desmayada en el suelo, observando la escena y con un vestido verde encontramos a Salomé, un ayudante bajando a Cristo de la cruz, José de Arimatea y Nicodemo aparecen sujetando a Cristo, detrás y con un frasco un ayudante y por último y cerrando la composición María Magdalena.
Por otro lado, la anatomía de Cristo está muy conseguida.
Todos los personajes llevan hermosos ropajes, cuyas texturas permiten diferenciar terciopelos, sedas, etc. Además, los pliegues son muy marcados y aristados, destacan por su voluminosidad a parte de por sus colores tan vivos.
Composición: Se trata de una composición cerrada. María Magdalena, a la derecha, y San Juan Bautista, a la izquierda, cierran la composición a modo de paréntesis. Cristo y La Virgen María contrastan con la horizontalidad del resto de personajes, al formar cada uno una diagonal.
Pincelada y textura: El óleo permite pintar con pinceles muy finos, con lo cual la pincelada será prieta y la textura lisa. Además esta técnica también permite realizar los detalles más minuciosos, como el pelo de las barbas, las lágrimas de la Virgen o la túnica de Nicodemo.
Dibujo: En esta composición el dibujo es de gran importancia ya que da una gran definición al contorno de las figuras, haciendo que parezcan casi esculturas superpuestas.
Luz: Da la impresión de ser una luz artificial, por el color dorado del fondo. Es moderada y a veces contrastada.
Color: El color cobra gran importancia en este cuadro porque produce que la escena se haga aún más impactante. Utiliza una mezcla de colores cálidos, por el color rojo del manto de San Juan Bautista y detalles también en rojo en los ropajes de otros personajes como María Magdalena o José de Arimatea; y colores fríos, por el color verde del vestido de Salomé o el contraste del color azul de la Virgen María. Además, el pintor dibujó a la Virgen María con tocado blanco, símbolo de la pureza, al igual que a María y a María Magdalena, y también de color blanco el paño que cubre a Jesucristo.
Perspectiva: La perspectiva es intuitiva, coloca a cada personaje en un lugar sin llevar un orden o un criterio de colocación; sin embargo, todos están bien colocados y son visibles a los ojos del espectador.
Elementos anecdóticos: En el cuadro, también aparecen algunos elementos anecdóticos, como la calavera o el hueso pintados en el suelo, en primer plano, que simbolizan la muerta y la fugacidad de la vida.
Profundidad: El cuadro presenta una gran profundidad. Para crearla, pintó tracería de madera en las esquinas superiores, que además hacen referencias a los clientes del cuadro, la cofradía de Los Ballesteros de Lovaina, en Bélgica, para su capilla en la iglesia de Nuestra Señora de Extramuros.
Nos percatamos de la profundidad, si observamos el manto de la virgen que se prolonga hacia el fondo o la escalera y la cruz situadas detrás de los personajes.
Además, los personajes también gozan de profundidad.
Movimiento: La obra tiene movimiento, pero es moderado. Lo observamos en la bajada de Cristo de la cruz o en el desmayo de la Virgen María, también en las figuras curvadas de María Magdalena y San Juan Bautista.
Estilo: El estilo es gótico flamenco primitivo del siglo XV.
Propuesta didáctica para alumnos de 6º de Primaria:
En primer lugar, se realizará una LLUVIA DE IDEAS sobre el cuadro, en la cual se harán preguntas como por ejemplo:
¿Qué creéis que pasa en el cuadro? ¿Qué sabéis acerca de esta historia?
¿Qué personajes aparecen en el cuadro? ¿Qué sabéis de ellos?
Después de esta introducción, se EXPLICARÁ un poco la temática del cuadro, lo que está aconteciendo en él, el significado del cuadro y un breve comentario sobre él, sin adentrarnos demasiado en técnicas artísticas debido al nivel inexistente sobre arte por parte de los niños, únicamente se explicaría el color, la profundidad, los personajes o la composición del cuadro.
Por último, se pedirá a los niños que realicen un DIBUJO del cuadro.
2. “El jardín de la Delicias” El Bosco
Sobre el autor: Pintor holandés. Llamado Hieronymus Bosch, debe su nombre a su ciudad natal 's Hertogenbosch, en la que nació en 1450 y en la que permaneció durante toda su vida.
Fue hijo y nieto de pintores, por lo que su educación tuvo lugar probablemente en el taller familiar.
En torno a 1480 se casó con Aleyt van der Mervenne, hija de un rico burgués. Esto le facilitó el ascenso social hacia la alta burguesía urbana.
En 1486 ingresó en la cofradía religiosa de Nuestra Señora. Esta era una asociación de laicos dedicados al culto de la Virgen y a obras de caridad. Esta corporación era de gran prestigio e influencia y le sirvió para cultivarse artística y culturalmente.
Desde el año 1500 hasta el 1504, permaneció en Venecia. Y a partir de estos años, el estilo del Bosco cambia hacia un estilo más renacentista con figuras monumentales situadas en espléndidos paisajes.
Murió en la misma ciudad en la que nació en 1516.
Dimensiones: Se trata de un tríptico de 220 X 195 cm.
Fecha de realización del cuadro: En 1500.
Tema: El tema cuadro es una alegoría del origen y del fin del mundo.
Técnica y materiales: Óleo sobre tabla.
Figuras: Todos los personajes del cuadro aparecen desnudos, para que no haya distinciones de razas ni de clases entre ellos, a excepción de Cristo.
En la tabla de la izquierda, la de paraíso, aparecen representados Adán y Eva y entre ello Cristo, junto con una pareja de cada animal.
En la tabla del medio, la de la tierra, aparecen numerosos grupos de personas, todos ellos desnudos haciendo diferentes actividades, unos cogiendo una manzanas de un árbol, símbolo del pecado, otros metidos en la fuente, etc.
En la tabla de la izquierda, la del infierno, hay numerosas figuras que representan algunos de los pecados, como por ejemplo: una muchacha sentada mirándose al espejo, representa el pecado de la soberbia, otro cagando monedas, representa el pecado de la avaricia, etc.
Composición: Es un composición muy compleja y abierta; sin embargo el pintor lleva un orden al colocar las diferentes figuras en el cuadro. Por ejemplo, en la tabla central, podríamos decir que incluso tiene una simetría ya que si trazásemos una línea en medio del cuadro, observaríamos que hay casi las mismas figuras en un lado que en otro y colocadas en el mismo lugar, de forma simétrica.
Pincelada y textura: La pincelada es prieta y la textura es lisa. Como característica de los pintores flamencos, destaca el cuadro por su minuciosidad en los detalles.
Dibujo: Le da gran importancia al dibujo y al contorno de las figuras.
Luz: En las tablas del paraíso y de la Tierra, la luz es clara y natural, ya que se encuentran en un prado. Sin embargo, la luz del infierno es más oscura.
Color: En las tablas del paraíso y de la Tierra, predominan los colores fríos, el azul del agua y el verde del prado, con detalles cálidos en rosas y rojos.
Por otro lado, en la tabla del infierno predominan el negro y el rojo, con detalles en amarillo.
Perspectiva: El dibujo, a medida que nos vamos alejando es más pequeño. Esto también aporta profundidad al cuadro.
Movimiento: La obra se caracteriza por la representación del movimiento, sobre todo en las tablas de la Tierra y del infierno. Prácticamente todas las figuras están representadas en movimiento, aunque la técnica no están conseguida del todo.
Estilo: El estilo es gótico flamenco primitivo del siglo XV.
Significado de la obra: El cuadro tiene un gran significado simbólico y goza de innumerables elementos anecdóticos.
Vamos a explicar el significado de cada una de las tablas:
1. El Paraíso: El pintor representa el principio de la humanidad, el comienzo de la vida dibujando a los personajes de Adán y Eva.
En la mitad del cuadro, hay pintada una lechuza en la fuente, que es símbolo de mal augurio, de que algo malo va a pasar.
La piedra amarilla de la derecha simula a Satán, indicando que Satán está en todas partes.
2. La Tierra: Es la representación de la humanidad en el pecado y en lujuria.
Está dividido en tres franjas: La primera es la superior, representa los cuatro ríos del paraíso, rodeadas de construcciones fantásticas.
Además también se observan aves encima de las cabezas, que simbolizan la lujuria. La segunda es la del medio, Aparece una fuente y dentro de ella mujeres, también con aves en la cabeza, y alrededor de la fuente hombres cabalgando animales, todo ello simboliza la lujuria y el placer. La tercera es la inferior, Se observan muchas frutas, símbolo del placer efímero. Todos los personajes están desnudos y representan el deseo carnal.
3. El Infierno: Es la representación del fin de la humanidad. Destaca el contraste entre frío (el agua helada del lago) y el calor (el fuego de las llamas). También se quiere ver en las orejas con el cuchillo una alusión al órgano genital masculino. En esta tabla, hay numerosos instrumentos pintados, que simbolizan los sonidos del infierno, y también observamos algunos personajes que hacen alusión a los pecados, como la suerte, personas jugando al juego, o la avaricia, un hombre cagando monedas.
Además, también hay una crítica al clero, ya que el pintor dibujó un cerdo vestido de monja.
Propuesta didáctica para alumnos de 6º de Primaria:
En primer lugar, se realizará una LLUVIA DE IDEAS sobre el cuadro, en la cual se harán preguntas como por ejemplo:
¿Qué representa cada una de las tablas?
¿Qué sabéis acerca del paraíso? ¿Y del infierno?
Después de esta introducción, se EXPLICARÁ un poco la temática del cuadro, lo que está aconteciendo en él, el significado del cuadro y un breve comentario sobre él, sin adentrarnos demasiado en técnicas artísticas debido al nivel inexistente sobre arte por parte de los niños, únicamente se explicaría el color, la profundidad, los personajes o la composición del cuadro.
Por último, se pedirá a los niños que realicen un DIBUJO de la tabla del tríptico que más les haya gustado.
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