Museo de arte Thyssen Bornemisza -- Juan Manuel Arias

Dirección

Palacio de Villahermosa, Paseo del Prado 8

Madrid, 28014 España

(+34) 91 369 01 51

mailto:mtb@museothyssen.org

Transportes:

• Metro: Banco de España
• Autobuses: Líneas 1, 2, 5, 9, 10, 14, 15, 20, 27, 34, 37, 41, 51, 52, 53, 74, 146 y 150.
• Tren: Estaciones de Atocha y Recoletos
• Parking para transporte privado: Aparcamiento público en Plaza de las Cortes

Precio de la entrada:
Las entradas se pueden adquirir por teléfono, por Internet o en taquilla.

En función de la edad hay diferentes tarifas:

• Reducida (sólo en taquilla previa acreditación): Mayores de 65, pensionistas, estudiantes y grupos familiares integrados por al menos un adulto y tres descendientes (o dos, si uno de ellos tiene alguna discapacidad), incluidos en el mismo título de familia numerosa.
• Gratuita:
• Niños menores de 12 años acompañados de adultos.
• Ciudadanos en situación legal de desempleo (sólo en taquilla previa acreditación).
• Normal: Entre 12 y 65 años

Teniendo en cuenta esto, los precios variaran según que zona del museo queramos visitar. Con las actuales los precios son:

• Colecciones Thyssen-Bornemisza
• General 8,00€
• Reducida* 5,50€
• Exposición temporal Mario testino. Todo o nada
• General 5,00€
• Reducida* 3,50€
• Exposición temporal Jardines impresionistas
• General 8,00€
• Reducida* 5,50€
• Colecciones Thyssen-Bornemisza + Mario testino. Todo o nada
• General 10,00€
• Reducida* 6,00€
• Colecciones Thyssen-Bornemisza + Jardines impresionistas
• General 13,00€
• Reducida* 7,50€

Horario de visitas: De martes a domingo de 10:00 a 19.00 horas.
Lunes cerrado. La taquilla cierra a las 18.30 horas. El desalojo de las Salas de Exposición tendrá lugar cinco minutos antes del cierre.

Los días 24 y 31 de diciembre el horario de apertura es de 10:00 a 15:00 horas.

El Museo cierra los días 1 de Enero, 1 de Mayo y el 25 de Diciembre

Grupos:
Las visitas de grupos se deben reservar unos días antes de la visita. El número de máximo de personas para la Colección permanente es de 27 y el número máximo de personas para la Exposición temporal es de 22. El pago se realiza mediante tarjeta y se pueden hacer cambios hasta 24 horas antes de la visita.

También se realizan actividades de grupo a lo largo del año en el museo.

Visita guiada: El Museo Thyssen-Bornemisza propone un programa de Visitas Guiadas y Privadas tanto a la Colección Permanente como a las Exposiciones Temporales, mostrándolas en exclusiva a grupos reducidos. Los invitados podrán contemplar las obras mientras el Museo está abierto, o en la intimidad, cuando el Museo ya ha cerrado sus puertas al público. Guiados por expertos, se adentrarán en uno de los conjuntos de pintura occidental más relevantes del panorama internacional.

Audio guía: El Museo dispone de un Servicio de Audioguía para la visita a la Colección Thyssen-Bornemisza y a la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. Contiene la explicación de las obras más relevantes de ambas colecciones. Disponible en español, inglés, alemán, francés e italiano. Horario de alquiler de 10.00 a 18.30 h.

Datos de interés:
Todos los objetos como paraguas, mochilas, maletines y bolsos grandes se depositarán en el Guardarropa. Este servicio cuenta con sillas y mochilas portabebés y sillas de ruedas a disposición del público que lo necesite. Por motivos de seguridad, no se admiten bultos que por sus dimensiones no puedan pasar por el escáner. Igualmente, y por motivos de higiene no se admiten animales, comida, bebidas o plantas.

El Museo dispone de ascensores, teléfonos y aseos especialmente diseñados para su uso. Sillas de ruedas disponibles en el servicio de guardarropa. Folleto y señalización en Braille para invidentes.

Por motivos de seguridad no está permitido el acceso a las salas de exposición con mochilas, bolsas de deporte o de viaje, maletas, maletines, paraguas, comida, bebida y objetos tales como raquetas, globos, paraguas

Teléfonos móviles: Se ruega no utilizarlos en las salas de exposición.

Fotos y vídeo: No está permitida la toma de imágenes en el interior del edificio.

No está permitido fumar en el interior del edificio de acuerdo con la Ley 28/2005, artículo 7.j) de 26 de diciembre.

El museo también cuenta con una tienda-librería y un restaurante en la planta baja que ofrece todo tipo de bebidas, sandwiches, bollería, platos combinados, así como una cuidada carta de restaurante.

Sobre el museo:

El Museo Thyssen-Bornemisza ofrece al público un recorrido por el arte, desde el siglo XIII hasta las postrimerías del siglo XX. En las cerca de mil obras expuestas el visitante podrá contemplar los principales periodos y escuelas pictóricas del arte occidental como el Renacimiento, el Manierismo, el Barroco, el Rococó, el Romanticismo y el arte de los siglos XIX y XX hasta llegar al Pop Art. Se incluyen también algunos movimientos carentes de representación en las colecciones estatales, como el Impresionismo, el Fauvismo, el Expresionismo alemán y las Vanguardias experimentales de comienzos del siglo XX. Asimismo cabe destacar la importante colección de pintura norteamericana del siglo XIX, única en el ámbito museístico europeo.

Por otro lado, más allá de su carácter panorámico, la colección que alberga el Museo Thyssen-Bornemisza nos introduce en los gustos y preferencias de sus dos principales artífices, los barones Heinrich Thyssen-Bornemisza (1875-1947) y Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002). Formados en la tradición artística centroeuropea, ambos prestaron especial atención al género del retrato y del paisaje. Así se evidencia en las obras del Museo Thyssen-Bornemisza, diferentes también en este sentido de los cuadros religiosos y de historia predominantes en otros museos españoles. Desde el 2004 también forma parte del Museo la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza con más de doscientas obras que vienen a completar los estilos y géneros ya presentes en la Colección Permanente.

TEMÁTICA: SIGLO XVII

A lo largo de toda la exposición vemos cuadros de todas las épocas, nos vamos a centrar en algunas que datan del siglo XVII.

1º Obra: David con la cabeza de Goliat y dos soldados

Autor: Valentin de Boulogne

Sobre el autor: Valentin de Boulogne de origen francés, desarrolló su carrera en Italia donde se cree que llegó hacia 1613 o 1614. Procedente de una familia de artistas, su padre era pintor y vidriero, y uno de sus hermanos ejerció como pintor. Pudo formarse dentro de este entorno, completando sus estudios tal vez en París o en Fontainebleau En Roma la primera referencia que se tiene de Valentin de Boulogne es de 1620, cuando vivía en el barrio de Santa Maria del Popolo compartiendo alojamiento con otros artistas franceses. En Roma consiguió el apoyo de la familia Barberini de Cassiano dal Pozzo y de Fabrizio Valguarnera Cuando Valentin de Boulogne llegó a Italia quedó fuertemente impresionado por el trabajo de Caravaggio y por su novedosa forma de interpretar la realidad. Esta impronta se podrá rastrear a lo largo de toda su carrera, convirtiéndose en uno de los más fieles seguidores del maestro. En su repertorio tienen cabida temáticas similares a las tratadas por otro de los difusores del caravaggismo, Bartolomeo Manfredi y que se inspiran en la fuente más popular de este movimiento. También encontramos en su catálogo retratos, junto a óleos religiosos y alegóricos.

Fecha de creación de la obra: 1620-1622

Formato: Rectangular.

Tamaño: 99x134 cm

Tema: Episodio bíblico de la victoria de David sobre Goliath

Técnica: óleo sobre lienzo

Color: Podemos ver que David, elegido por el Señor está representado en colores más claros mientras que Goliath, guerrero de los paganos, se haya en colores más oscuros, sin embargo en estos colores oscuros están también los soldados que habrán cometido cientos de pecados. Con estos colores también se demuestra el horror que desprende la obra, todo en un tono sombrío, pero dejando luz sobre David que ha traído esperanza con la derrota del gigante.

Luz: Es en general oscuro salvo en el personaje de David, demostrando con ello su pureza o el ser elegido del Señor, dándole protagonismo en la obra sobre un contexto tenebroso.

Composición: Se basa en el contraste, debido a esto y a su falta de simetría también podemos decir que es dinámica.

Significados: El episodio ilustra un pasaje del Antiguo Testamento cuando el joven David va a luchar contra el guerrero filisteo Goliat Tras probarse la armadura de Saúl y sentirse incómodo en ella, David decidió enfrentarse al gigante con sus ropas de pastor, eligiendo como armas su cayado, cinco chinarros y una honda. David lanzó un chinarro con su honda que se clavó en la frente del filisteo, que cayó de bruces. Este momento lo aprovechó para matarle con su espada y cortarle la cabeza. David después, cogió sus armas y la cabeza de Goliat llevándolas a Jerusalén donde las puso en su tienda.

Precisamente, a los últimos versículos de la narración corresponde el momento elegido por Valentín de Boulogne que ha representado a un joven y apuesto David rústicamente vestido, sosteniendo la cabeza del gigante, que todavía gotea sangre. David que apoya esta inmensa cabeza en una mesa y sostiene, en la otra mano, la espada de su contrincante, queda enmarcado por dos figuras. La pintura, que se organiza con pocos personajes de medio cuerpo, como corresponde a los primeros óleos del pintor, llama la atención por la energía y la tensión que éste ha inculcado al episodio, y que se registra en la inquietante intensidad de las miradas de los protagonistas. Al asombro y horror que emite el personaje de la izquierda, se contrapone la expresión reflexiva, concentrada y ausente de David así como la del soldado que mira hacia su izquierda. La pintura está sólidamente construida, siendo notables las texturas que Valentín consigue en los tejidos y de las que es una muestra la manga asalmonada con brillos plateados.

Propuesta educativa

Primero preguntarles qué les transmite la obra y después explicarles el episodio que representa. Una vez explicado todo preguntaremos:

¿Por qué creéis que se han elegido esos colores y esa luz? ¿Cuál habrías usado tú? ¿Cambiarías algo de la obra? ¿Por qué?

Una vez hecho esto pedirles que digan una situación o suceso en el que harían el dibujo con la misma ambientación (un momento duro o que causa particular asombro)

2º Obra: Venus y Marte

Autor: Carlo Saraceni

Sobre el autor: El veneciano Carlo Saraceni aparece citado por el médico e historiador sienés Giulio Mancini -aunque sea con la expresión limitante de «en parte»- entre aquellos que primero se adhirieron al lenguaje naturalista de Caravaggio. La afirmación no deja de resultar sorprendente, pero es obvio que esta afición Caravaggiesca (que efectivamente es un dato real, pero tal vez no de suficiente magnitud para incluirlo en el grupo de sus defensores más convencidos) no puede ser muy anterior a 1606, año en el que Saraceni firma el Descanso en la huida a Egipto de la ermita de Camaldoli cerca de Frascati

Fecha de creación de la obra: 1600

Formato: Rectangular.

Tamaño: 39,5x55 cm

Tema: Los amores clandestinos de Venus, esposa de Vulcano, y Marte según los relata Ovidio en sus Metamorfosis (IV, 167-189).

Técnica: Óleo sobre cobre

Color: Se usan colores vivos en general para expresar que es un momento dedicado al amor. Un detalle interesante es que para resaltar a Marte y a Venus se les pone sobre una sábana completamente blanca, destacándoles así especialmente sobre otros elementos como los cinco amores, la armadura de Marte, las ropas de Venus, etc..

Luz: Es una obra muy luminosa, seguramente para dejar claro que se encuentran en el terreno de los dioses, posiblemente el Olimpo. Se puede ver tanto en la sala en la que se hallan los amantes como en el pasillo que hay tras ellos.

Composición: Armónica dinámica.

Significados: El tema principal del cuadro seguramente sea el amor de los amantes, pues Venus, como ya se ha dicho, es la mujer de Vulcano, pero cae en amor con Marte y en la propia morada de Vulcano yacen juntos, sin importarles que estén por ahí los pequeños amorcillos, llevando esa para algunos infidelidad y para otros acto de amor puro hasta el nivel de no importarles otra cosa que el uno al otro.

Aunque la naturaleza del soporte contribuye a resaltar la lisura y la rotundidad de los miembros de ambos amantes, de los amorcillos, de los distintos objetos y, en particular, de la armadura, el casco y el escudo de Marte también es cierto que la crudeza de esta objetividad óptica refleja la afinidad de Saraceni con Domenichino y todavía más, si cabe, con Albani a cuyo repertorio de figuras corresponden claramente los cinco amorcillos. Entre ellos es emblemático el de mayor tamaño, el único que lleva alas, que se refleja en el escudo, pisotea irreverentemente el yelmo, cuyo perfil se recorta nítidamente sobre la blancura del ala y cuyos rizos planos de un color dorado-castaño son casi del mismo cuño que los de Albani

Propuesta educativa

Contar la historia de Venus y Marte. ¿Os parece que el cuadro refleja bien lo que sentían? ¿Hubieseis elegido otro momento de su historia?

Enseñarles el símbolo de la lanza de Marte y el espejo de Venus (símbolo masculino y símbolo femenino) ¿Os suenan de algo? ¿Creéis que se usan por lo acontecido esta historia?

3º Obra: La inmaculada concepción

Autor: El Greco y Jorge Manuel Theotokópoulos

Sobre el autor: En este cuadro aparecen dos autores debido a que en esta época si aparecía un joven con talento comenzaba a trabajar como aprendiz para un autor de prestigio como ayudante, aunque pasaba un tiempo hasta que el daban un primer encargo pero una vez hecho comenzaban a independizarse de sus mentores. Muchas veces se les encargaban trabajos parciales, como puede ocurrir en este cuadro, de que el aprendiz haga alguna parte de poca importancia o que exija poca perfección mientras que el artista hacía partes más delicadas como las caras.

Fecha de creación de la obra: 1608 - 1614

Formato: Rectangular.

Tamaño: 108x82 cm

Tema: Temática religiosa, muy común en la época. Se representa a la Virgen María rodeada por ángeles e iluminada por el Espíritu Santo.

Técnica: Óleo sobre lienzo

Color: Se usan colores oscuros en general salvo en la parte superior del cuadro donde aparecen el Espíritu Santo y varios ángeles. La tierra aparece con colores apagados, como representando la falta de pureza, el pecado que asolaba la tierra razón por la que hubo de venir Jesús por medio de la Virgen María.

Luz: Muy luminosa en la parte superior para representar la santidad con un emisor de luz principal en la figura de la paloma que representa al Espíritu Santo, sin embargo la tierra, y en general toda la escena a medida que se aleja de la paloma, es más apagada, con luz muy escasa.

Composición: Contraste por la diferencia entre la zona luminosa y la oscura. Estática debido a la simetría de la obra.

Significados: El cuadro se llama “La inmaculada concepción”, por lo que puede referirse al momento en el que el Espíritu Santo hizo que María albergase a Jesús en su vientre. La paloma, como ya se ha dicho, representa al Espíritu Santo que ilumina a María y la deja embarazada. Los ángeles alrededor suyo pueden representar alabanza hacia la madre del Salvador que se hallará en el mundo sombrío sobre el que están para darle otra oportunidad de brillar como brilla el cielo.

Propuesta educativa

¿Qué te hace sentir esta imagen? ¿Por qué?

¿Qué te llama más la atención?

ACTIVIDAD FINAL

Preguntar a los niños qué tienen en común estos cuadros, cuando descubran que todos hablan de entidades religiosas proponerles que investiguen figuras mitológicas de cualquier religión y hagan un dibujo de cómo creen que serían o de una parte de una leyenda.

Ejemplo: si eligen la leyenda de Susanoo contra Yamata-no-Orochi dibujar a ambos luchando o uno que haya triunfado sobre el otro…

Objetivo: más que ver como de bien dibujan el objetivo será ver como usan los colores para expresar sensaciones y qué consideran importante en una historia o más gráficamente rentable.